Арт психология: Что такое арт-терапия, и чем она отличается от творческих курсов | Alter

Шерер, К. Р. (2005). Какие эмоции? А как их измерить? Soc. Sci. Инф. 44, 695–729. DOI: 10.1177 / 05305058216

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Сильвия, П. Дж. (2005). Эмоциональные реакции на искусство: от сопоставления и возбуждения до познания и эмоций. Rev. Gen. Psychol. 9, 342–357. DOI: 10.1037 / 1089-2680.9.4.342

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Томсон, Л.Дж., Локьер, Б., Камик, П. М., и Чаттерджи, Х. Дж. (2018). Влияние музейных социальных предписаний на количественные показатели психологического благополучия пожилых людей. Перспектива. Общественное здравоохранение 138, 28–38. DOI: 10.1177 / 1757913917737563

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Тодд, К., Камик, П. М., Локьер, Б., Томсон, Л. Дж. М., и Чаттерджи, Х. Дж. (2017). Музейные программы для социально изолированных пожилых людей: понимание того, что работает. Health Place 48, 47–55. DOI: 10.1016 / j.healthplace.2017.08.005

PubMed Аннотация | CrossRef Полный текст | Google Scholar

Тредон, К. Б., Розаль, М., Уайлдер, В. Д. Т. (2006). Открытие дверей художественных музеев для терапевтических процессов. Arts Psychother. 33, 288–301. DOI: 10.1016 / j.aip.2006.03.003

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Цукиура Т. и Кабеза Р. (2011). Общая мозговая активность для эстетических и моральных суждений: последствия для стереотипа «Красота-это хорошо». Soc. когн. и Affective Neurosci. 6, 138–148. DOI: 10.1093 / сканирование / nsq025

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Вуоскоски, Дж. К., Томпсон, У. Ф., Макилвейн, Д., и Эерола, Т. (2012). Кому нравится слушать грустную музыку и почему? Музыкальное восприятие. Междисциплинарный. J. 29, 311–317. DOI: 10.1525 / mp.2012.29.3.311

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Викстром, Б.-М. (2000). Развитие наблюдательной компетентности через определение моделей ухода за больными в произведении искусства Лены Кронквист «Больная». J. Interprof. Уход 14, 181–188. DOI: 10.1080 / jic.14.2.181.188

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Викстрём, Б.-М. (2003). Изображение произведения искусства как стратегия обучения эмпатии в образовании медсестер, дополняющая теоретические знания. J. Prof. Nurs. 19, 49–54. DOI: 10.1053 / jpnu.2003.5

PubMed Аннотация | CrossRef Полный текст | Google Scholar

Зеки, С., Ромая, Дж. П., Бенинкаса, Д. М. Т. и Атия, М. Ф. (2014).Опыт математической красоты и ее нейронных коррелятов. Фронт. Гул. Neurosci. 8:68. DOI: 10.3389 / fnhum.2014.00068

CrossRef Полный текст | Google Scholar

Как стать арт-терапевтом | Требования к образованию

Арт-терапия — это форма экспрессивной терапии, в которой клиенты при содействии арт-терапевта используют творческий процесс создания искусства, чтобы исследовать свои чувства. Арт-терапевты используют процесс самовыражения и полученные в результате произведения искусства, чтобы помочь клиентам понять свои эмоциональные конфликты, развить социальные навыки, повысить самооценку, справиться с зависимостями, уменьшить тревогу и восстановить нормальную жизнедеятельность.

Исследования показывают, что арт-терапия приносит пользу различным группам клиентов и может быть эффективной в самых разных форматах. Арт-терапевты работают с людьми всех возрастов и жизненных проблем, включая пациентов с серьезными поведенческими проблемами и зависимостями, с клиентами без медицинских или психологических проблем, которые просто ищут личное понимание своей жизни. Арт-терапию чаще всего рекомендуют людям с нарушениями здоровья, образования, развития или психосоциальными расстройствами.Арт-терапия также является эффективным методом лечения для людей, которые сталкиваются со следующими проблемами:

• Лица, которые борются с пугающими воспоминаниями или расстраивающими эмоциями в результате травмы, боевых действий или жестокого обращения
• Лица с серьезными заболеваниями или инвалидностью, например травматическими. черепно-мозговая травма, рак, депрессия, аутизм, антисоциальная личность или слабоумие
• Пары, пытающиеся урегулировать эмоциональные конфликты
• Лица, стремящиеся к личному росту и повышению самооценки
• Люди, испытывающие стресс, тревогу и другие проблемные формы поведения

Основная цель арт-терапии — улучшить или восстановить функционирование клиента и его или ее личное чувство благополучия. Это начинается с того, что арт-терапевт побуждает клиента участвовать в творческом процессе, исследовать свои чувства и получать удовольствие от творчества. Арт-терапия не требует, чтобы клиент был талантливым или художником, чтобы ощутить преимущества. Работа арт-терапевта не состоит в том, чтобы обучать искусству или критиковать работу клиента, вместо этого арт-терапевты работают с клиентами, чтобы погрузиться в основные сообщения, передаваемые через их искусство, и комбинировать методы психотерапевтического консультирования, чтобы способствовать личному развитию, способствовать самосознанию и формированию навыки совладания.

Арт-терапевты практикуют в различных традиционных учреждениях, включая больницы, отделения реабилитации, центры ухода за престарелыми, психиатрические учреждения, дома престарелых и школы. Они также работают в некоторых менее привычных условиях, таких как оздоровительные центры, судебно-медицинские учреждения, центры клинических исследований, центры содержания под стражей и кризисные центры.

Частная практика также широко распространена среди профессионалов, специализирующихся на арт-терапии.

Арт-терапия — это прежде всего профессия в области психического здоровья. Практика арт-терапии требует образования в области человеческого развития, психологических и поведенческих расстройств, теорий консультирования и терапевтических методов. Минимальные образовательные стандарты, установленные Американской ассоциацией арт-терапии, требуют, чтобы все практикующие арт-терапию начального уровня имели степень магистра высшего учебного заведения, признанного региональным аккредитационным органом, утвержденным Советом по высшему образованию (CHEA).

Арт-терапевты также должны хорошо разбираться в изобразительном искусстве. Арт-терапия часто включает в себя различные формы искусства, такие как скульптура, живопись, рисунок и другие, поэтому практик арт-терапии должен иметь опыт работы с этими художественными средами и способность направлять клиента через творческий процесс.

Заработная плата арт-терапевта зависит от таких факторов, как опыт, местонахождение и способность практикующего продвигать себя (если он занимается частной практикой).В этом примере Бюро статистики труда США рассматривает арт-терапевтов как терапевтов-терапевтов для целей заработной платы. Опубликованные данные подтверждают тот факт, что профессионалы, работающие в районах с высокой плотностью населения (крупные мегаполисы), будут получать более высокую заработную плату. В 2014 году арт-терапевты, которые подпадают под широкую категорию рекреационных терапевтов, получали среднюю годовую зарплату в размере 46 060 долларов. Профессионалы, входящие в 10% лучших в категории, заработали 69 230 долларов США.

Что делает великое искусство? | Психолог

Серия Routledge «Психология всего» публикует последнюю волну названий, и у нас есть несколько эксклюзивных глав, которыми мы можем поделиться.Узнайте больше о серии и найдите предыдущие главы на нашем веб-сайте здесь.

Это книга Джорджа Мэзера «Психология искусства».

Как уже говорилось в предыдущих главах, в начале прошлого века художники изобразительного искусства отказались от попыток достичь физического реализма в своей работе и вместо этого занялись поисками некоего психологического реализма. Этот шаг отвел искусство от традиционных стандартов визуальной красоты, которые господствовали веками. Писсуар Марселя Дюшана (рис. 1.2) был настолько влиятельным, потому что это было первое произведение искусства, полностью отвергающее визуальное удовольствие и утверждавшее, что идея или концепция были всем, что имело значение для великого искусства. Дюшан размышлял в 1942 году:

. Меня интересовали идеи, а не просто визуальные продукты. Это было правдой, я пытался как можно дальше отойти от «приятных» и «привлекательных» физических картин.

Этот сдвиг в критериях величия настолько глубок, что необходимо разделить обсуждение психологии большого искусства на две части.Первый посвящен искусству, созданному до появления современного искусства, а второй посвящен искусству в эпоху модерна и постмодерна.

Традиционные концепции великого искусства

Природная красота на протяжении веков была визитной карточкой великого искусства. По словам Джорджа Вазари в 1568 году, целью искусства было просто «подражание самым прекрасным вещам в природе». Более 300 лет спустя викторианский художественный критик Джон Раскин также видел главную цель искусства в передаче понимания природы:

Идите к природе со всей чистотой сердца.. . ничего не отвергая, ничего не выбирая и ничего не презирая; веря, что все правильно и хорошо, и всегда радуясь истине.

Итак, с этой традиционной точки зрения искусство — это средство передачи естественной красоты. Возникает очевидный вопрос: почему естественные вещи красивы? У философов есть фундаментальные разногласия по поводу ответа на этот вопрос. Некоторые философы, в том числе Платон и Аристотель, считали, что красота является неотъемлемым свойством объекта, как и его размер или вес.Определенные объективные характеристики формы или тела, такие как баланс и пропорции, указывают на ее красоту. Согласно Аристотелю в 350 г. до н. Э .:

Главные формы красоты — это порядок, симметрия и определенность.

Например, со времен Древней Греции определенные пропорции тела считались идеальными. Римский архитектор Марк Витрувий Поллион обсуждал идеальные пропорции как зданий, так и человеческих тел в своей многотомной книге Об архитектуре .Его идеальные человеческие пропорции, основанные на греческих статуях, были известны Леонардо на его рисунке «Витрувианский человек».

Противоположный субъективистский взгляд объективистскому представлению о красоте придерживался таких философов, как Юм. Они утверждали, что «красота в глазах смотрящего» — социокультурная конструкция. Юм писал в 1757 году:

Красота — это не качество самих вещей: она существует только в уме, созерцающем их; и каждый ум воспринимает различную красоту.

Философы-субъективисты рассматривали «вкус» как утонченную способность воспринимать качество художественного произведения, которое можно было бы приобрести через образование и опыт (отсюда и Великие туры, упомянутые в главе 2). Историк искусства Эрнст Гомбрих использовал термин «доля смотрящего» для обозначения роли разума и мозга зрителя в их восприятии искусства.

Хотя объективистская и субъективистская теории красоты отражают некоторые важные характеристики красоты, всеобъемлющее описание красоты должно включать роли как объекта, так и субъекта.Кажется, что, например, в объективных свойствах лица есть что-то, что определяет его красоту. Оценки женской красоты лица, как правило, одинаковы в разных культурах. Психологи определили три характерные черты или конфигурации лица как у мужчин, так и у женщин, которые связаны с красотой: половой диморфизм (например, размер челюсти, глаз и губ), симметрия и усредненность в расположении черт лица. Дарвиновский половой отбор может объяснить, почему эти конкретные объективные характеристики субъективно привлекательны для воспринимающих: они сигнализируют о генетическом качестве и физическом здоровье потенциального партнера.Итак, красота возникает из взаимодействия между физическими характеристиками оцениваемого объекта и предрасположенностью субъекта ценить одни черты больше, чем другие.

Рис. 6.1 Николя Пуссен, «Пейзаж со штилем», ок. 1650.

Кредитная линия: Цифровое изображение любезно предоставлено программой открытого содержания Getty.

Живописные пейзажи — еще один интересный пример того, как суждения о красоте возникают из взаимодействия между объективными свойствами и предпочтениями зрителей, которые уходят корнями в наше эволюционное прошлое.Пейзаж — один из самых популярных жанров в западном искусстве. Некоторые физические особенности пейзажных картин, кажется, нравятся зрителям повсеместно, и их можно найти в работах величайших пейзажистов, таких как Клод Лоррен, Николя Пуссен и Джон Констебль (см. Рис. 6.1). Их работы имеют тенденцию изображать преимущественно сельский и открытый вид вдаль, с разбросанными деревьями и растительностью, а не окруженный густым лесом или нависающими скалами. Часто включаются водные объекты, такие как река или озеро, а также фигуры людей и животных и, возможно, отдаленные постройки, такие как руины древнего замка.Ландшафтный архитектор 18-го века Ланселот «Способность» Браун создал сады для величественных домов, вдохновленные ландшафтным искусством, содержащие холмистые открытые пространства, разбитые группами и поясами деревьев, включая водные объекты, такие как озера и ручьи. Что делает пейзажное искусство таким привлекательным и живописным? Как и в случае с красотой лица, несколько возможных окончательных объяснений уходят корнями в эволюцию. Одна из гипотез утверждает, что мы предпочитаем определенные особенности ландшафта, потому что они являются частью ландшафта древней саванны, в которой впервые развились люди.Однако существует относительно мало убедительных доказательств, подтверждающих эту гипотезу. Кроме того, люди развивались в окружающей среде, которая подвергалась постоянным изменениям либо из-за природных явлений (изменение климата, землетрясения, извержения вулканов), либо из-за миграции. Таким образом, сохранение предпочтения одной древней среды обитания кажется неправдоподобным. Тем не менее, некоторые аспекты ландшафтных предпочтений в искусстве могут быть связаны с выбором древней среды обитания. Любопытство к ландшафту может быть следствием адаптивного стремления исследовать нашу местную среду в поисках пищи, убежища и помощников, и оно встречается у многих животных.Удовольствие, порождаемое чертами, обозначающими «таинственность» в пейзажном искусстве (например, уходящей вдаль тропой), может быть связано с врожденным любопытством, которое, как отмечалось в главе 2, само по себе вознаграждается. Мы также можем быть предрасположены искать места с хорошим видом и безопасным убежищем, и находить такие места в пейзаже полезным. Другие люди, животные и вода также настолько важны для выживания, что мы предрасположены искать их в пейзаже.

Эти два примера естественной красоты, один основан на человеческих лицах, а другой — на природных ландшафтах, подчеркивают, как традиционные суждения о красоте в искусстве по крайней мере частично зависели от того, насколько художникам удалось уловить психологическую сущность реального мира. предметы мира, которые мы находим по своей сути интересными и привлекательными.Североевропейские натюрморты семнадцатого века создают такие увлекательные и убедительные изображения повседневных предметов, что у зрителя возникает соблазн протянуть руку и поднять их. Сила портретов Рембрандта или Гольбейна Младшего основывается на их способности уловить тонкую игру эмоций, настроения и темперамента на лице натурщика. Прямой взгляд также инстинктивно силен, будь то реальный человек или нарисованный портрет. Другие фигуративные картины, которые считаются одними из величайших в западной традиции, также взаимодействуют со зрителем на интеллектуальном уровне, инициируя мысленный поиск смысла произведения.Такие картины, как «Портрет Арнольфини» ван Эйка (1434 г.), «Мечи» Веласкеса (1656 г.) или «Dejeuner sur l’herbe» Мане (1862 г.) известны спорами, которые они вдохновили на обоснование выбора художником картины. конкретные люди и предметы, которые были включены в картину.

К началу 20 века художники начали подвергать сомнению традиционные представления об эстетических достоинствах. В 1927 году один из зачинателей абстрактного искусства, Казимир Малевич, заявил:

Когда в 1913 году, в моей отчаянной попытке освободить искусство от балласта объективности, я укрылся в квадратной форме и выставил картину, состоящую из не более чем черный квадрат на белом поле, критики и вместе с ними публика вздохнули: «Все, что мы любим, потеряно.Мы в пустыне. . . . Перед нами не что иное, как черный квадрат на белом фоне! » . . . Но эта пустыня наполнена духом беспредметного ощущения, который пронизывает все. Это был не «пустой квадрат», который я показал, а скорее ощущение необъективности.

Сегодня общественность по-прежнему убеждена, что искусство обречено на гибель, если оно откажется от имитации «горячо любимой реальности», и поэтому с тревогой наблюдает, как ненавистный элемент чистого чувства — абстракция — все более и более продвигается вперед.

Пришло время для появления новых определений «хорошего» искусства, которые затрагивали другой аспект человеческой психологии.

Современные концепции хорошего искусства

Как отмечалось в предыдущей главе, к концу 1800-х годов художники начали исследовать способы отказаться от реалистичного изображения визуальной красоты в пользу более чистой, более абстрактной и фундаментальной концепции красоты, которая была укоренены в нашем восприятии мира, но в то же время оторваны от него. Французский писатель Аполлинер сказал в 1912 году:

В то время как цель живописи сегодня, как всегда, — это доставлять удовольствие глазам, отныне любителя искусства просят ожидать удовольствий, отличных от тех, которые можно легко доставить, глядя на природные объекты.

Согласно Пикассо, написанному в 1935 году:

Искусство — это не применение канона красоты, а то, что инстинкт и мозг могут постичь за пределами любого канона. Когда мы любим женщину, мы не начинаем измерять ее конечности.

Отход от традиционных стандартов эстетической красоты в конце 19 века значительно усложнил суждение о том, что делает великое искусство намного более трудным. Отказ от традиционного, реалистичного внешнего вида в искусстве, который опирается на сформировавшиеся человеческие предпочтения определенных реальных форм, омрачил суждения о качестве художника.Художественный истеблишмент изначально сопротивлялся этому шагу. В 1890 году Сезанна считали неуклюжим художником, а работы Бужро — безупречными. Сегодня Сезанн считается одним из бессмертных гигантов западного искусства, а Бужро — не более чем примета французского искусства XVIII века. Густав Климт и Эгон Шиле когда-то были гораздо менее уважаемы в Вене, чем другие художники, такие как Ханс Макарт, но теперь ситуация изменилась.

Искусствовед Клайв Белл в 1914 году утверждал, что эстетические эмоции вызываются «значимой формой» в определенных произведениях искусства:

В каждом из них линии и цвета, объединенные особым образом, определенные формы и отношения форм пробуждают наши эстетические эмоции.Эти отношения и комбинации линий и цветов, эти эстетически подвижные формы я называю «значимой формой», которая является «единственным качеством, общим для всех произведений искусства». . . нужно только согласиться с тем, что формы, организованные и объединенные в соответствии с некоторыми неизвестными и таинственными законами, действительно движут нами определенным образом, и что задача художника — объединить и расположить их так, чтобы они двигали нас (см. Zeki, 2013 ).

Представление Белла о значимой форме в произведении искусства не зависит от узнаваемой реальности.Это вызвало некоторые споры о красоте в искусстве, в последнее время о частях мозга, которые опосредуют восприятие значимой формы. Однако определение значимой формы в некоторой степени загадочно и замкнуто. Кажется, что не знаешь, как выглядит значимая форма, пока не увидишь ее. Как указывает Семир Секи (2013), хотя симметрия и регулярность являются кандидатами в значимые формы, они не ценятся повсеместно. Например, японское эстетическое чутье одобряет асимметрию и неправильность, называемую «фукинсэй».Некоторые возможные источники значимой формы были упомянуты в предыдущей главе. Белл считал, что в творчестве Сезанна наиболее чисто проявляется значительная форма. Таким образом, может существовать связь между его значимыми формами, более абстрактными основными формами Сезанна, и внутренними формами, посредством которых формы представлены в мозгу. Значимая форма может также относиться к глобальным графическим свойствам, которые резонируют с визуальной обработкой: масштабная инвариантность и фрактальность были предложены в качестве важных статистических качеств изображений, которые делают их более привлекательными; дополнительные цвета генерируют сбалансированные нейронные реакции.

Некоторые современные критерии качества произведения искусства полностью обходятся без визуальных качеств. Современные критерии включают художественно-историческое значение, популярность (или ее отсутствие), финансовую ценность и «серьезность». Художественно-историческое значение произведения может быть очень важно для тех, кто разбирается в искусстве. Например, значение картины «Salvator Mundi» изменилось, когда она была повторно приписана самому Леонардо да Винчи, а не одному из его помощников в студии (хотя специалисты до сих пор не согласны с атрибуцией).С другой стороны, если вы относительно мало знаете личную, социальную и культурную историю и контекст художника, этот критерий по сути невидим.

Популярность, кажется, не имеет значения как критерий добродетели для истеблишмента современного искусства. В самом деле, это может противоречить художнику и его работе. Л.С. Лоури давно пользуется популярностью у публики, но его работы редко выставляются в галереях. Выставка Дэвида Хокни в Королевской академии в 2012 году была самой популярной в Великобритании и пятой по популярности в мире в то время, но в значительной степени не понравилась художественным истеблишментом.Возможно, проблема популярных художников, таких как Лоури и Хокни, в том, что касается мира искусства, заключается в том, что инсайдеры искусства хотят расширить общественное сознание того, что считается «хорошим» искусством, а не кажутся потакать популярным вкусам. Кажется, существует правило в стиле «Уловки-22», регулирующее связь между популярностью художника и его статусом в мире искусства (под которым я подразумеваю других художников, кураторов, владельцев галерей, коллекционеров, историков искусства, публицистов, писателей и т. on): Художник, получивший высокую оценку в мире искусства, по праву станет популярным среди публики и тем самым расширит ее осведомленность о «хорошем» искусстве.Как только художник проведет популярную выставку, мир искусства перестанет восхвалять его (потому что работа больше не расширяет осведомленность) и, следовательно, станет непопулярной. Этого улова трудно избежать. Грейсон Перри сказал: «Работа художника — создавать новые клише». Исследования показывают, что популярность может питаться сама собой. В одном исследовании изучали, влияет ли степень воздействия на произведения искусства на их симпатии (Cutting, 2003). В результате исследования был сделан вывод:

Нам нравятся те, которые мы видели раньше, и особенно те, которые мы видели много раз.

Влияние «простого воздействия» на то, что человек видит или слышит, хорошо известно в психологических исследованиях. Вероятно, это играет важную роль в влиянии на выбор потребителей во время рекламных кампаний.

Среди самых дорогих произведений искусства, проданных за последние годы, — работы эпохи Возрождения 16-го века, приписываемые Леонардо («Salvator Mundi», около 450 миллионов долларов США), постимпрессионистские работы 19-го века Поля Гогена («Nafea Faa Ipoipo», 210 миллионов долларов США) и Поля Сезанна («Игроки в карты», 250 миллионов долларов США) и абстрактные картины ХХ века Джексона Поллока («Номер 17A», около 200 миллионов долларов США) и Виллема де Кунинга («Развязка», 300 миллионов долларов США. ).Искусство, несомненно, теперь является классом активов. В настоящее время он считается одним из двух крупнейших хранилищ богатства на международном уровне (второй высший класс активов — это недвижимость). Произведения искусства так популярны в качестве инвестиций, потому что они востребованы на международном рынке, относительно защищены от колебаний экономики или валюты конкретной страны и могут быть «секьюритизированы» для получения дохода без необходимости продажи. Итак, что определяет денежную стоимость? Аукционная цена отражает скорее инвестиционную стоимость произведения искусства, чем его чисто художественную ценность.Здесь действует множество факторов, некоторые из которых кажутся на удивление простыми. Как правило, большие картины обычно стоят больше, чем маленькие, но их стоимость во многом зависит от того, какие произведения искусства одобряются сообществом художников, дилеров, коллекционеров, кураторов и критиков. Внимание со стороны таких влиятельных фигур, как Джон Раскин или Чарльз Саатчи, может иметь большое влияние на денежную ценность. Действительно ли картины, перечисленные в начале абзаца, являются лучшими картинами в истории искусства? «Игроки в карты» Поля Сезанна в четыре раза лучше «L’Allee des Alyscamps» Винсента Ван Гога (всего 66 миллионов долларов)? Конечно, не денежная стоимость делает произведение искусства важным, но денежное выражение имеет значение, если искусство рассматривается как класс активов.

Постмодернистское перформанс, возможно, было реакцией на коммодификацию искусства 20-го века, когда мастерские художников превратились в производственные линии. К 1980-м годам искусство, по мнению некоторых критиков, успокоилось и уступило место средствам массовой информации и потреблению. По самой своей природе перформанс подорвал эту бизнес-модель. Он не оставляет никаких долговечных артефактов, которые можно было бы купить и продать на рынке. Движение постмодернистского искусства сознательно сошло с конвейера прогресса через последовательные движения, каждое из которых реагировало на своего предшественника.Больше не существовало границ, определяющих, что есть искусство, а что нет, что есть хорошее, а что плохое искусство. Постмодернистское искусство часто иронично или даже насмешливо отсылает к стандартам и стилю, которые определяли предыдущие движения. Таким образом, современные художники идут по тонкой грани, проявляя циничность и иронию, не отказываясь от серьезности, искренности и подлинности (а также рыночной привлекательности). Как сказал видеохудожник Нам Джун Пайк:

Художник всегда должен кусать руку, которая его кормит, но не слишком сильно.

Чтобы оставаться на правильной стороне и показать свои серьезные намерения, некоторые художники постмодерна обращаются к огромным глобальным проблемам в своей работе. Другие художники остаются довольно непостижимыми в отношении своих намерений, оставляя зрителей и покупателей самому формировать свои суждения. Концептуализм преобладает в современном искусстве. Он начался в 1960-х годах, первоначально его продвигал художник Сол Левитт, который заявил, что:

В концептуальном искусстве идея или концепция являются наиболее важным аспектом работы.Когда художник использует концептуальную форму искусства, это означает, что все планирование и решения принимаются заранее, а исполнение — дело формальное.

В 1953 году Роберт Раушенберг купил картину Виллема де Кунинга и стер ее. Идея заключалась в том, чтобы побудить зрителя задуматься о том, является ли стирание работы другого художника творческим актом и является ли действие «искусством» только потому, что это сделал известный художник. Там, где искусство когда-то стремилось к красоте, теперь оно стремится к концептуальной «серьезности».Художники, кураторы, галеристы, писатели и другие люди, составляющие мир современного искусства, часто пытаются придать серьезность произведению искусства с помощью текста в выступлениях художников, путеводителях по выставкам, настенных текстах и ​​пресс-релизах. Своеобразная форма английского языка, которую можно найти в этих текстовых формах, была названа «International Art English», или IAE, в противоречивом и сатирическом эссе Дэвида Левина (художника) и Аликс Рул (социолога). Они утверждали, что IAE характеризуется сложными, очевидно бесконечными предложениями, содержащими много зависимых предложений.Почти все глаголы сопровождаются наречиями, например, в «радикально вопрошающем» и «ниспровергающем инвертированном». Согласно Правилу и Левину:

IAE имеет особый лексикон: апория, радикально, пространство, суждение, биополитика, напряжение, поперечный, автомомия. Работа художника неизбежно задает вопросы, задает вопросы, кодирует, трансформирует, ниспровергает, запутывает, смещает.

IAE, по-видимому, имеет свои корни в переведенных французских постструктуралистских трудах 1970-х годов, что, возможно, объясняет, почему они «звучат как неумело переведенные французские».Каким бы ни было его происхождение, сложность и расплывчатость IAE окутывают современное искусство тайной и двусмысленностью, мутят воду вокруг смысла и ценности произведения. Ключ к пониманию различных психологических процессов, которые опосредуют суждения о качестве в традиционном и современном искусстве, заключается в различии между сенсорными факторами и факторами принятия решений, которые влияют на перцептивные суждения.

Сенсорные компоненты и компоненты решения в перцептивном суждении

Психологи различают два компонента, которые составляют часть всех сенсорных и перцептивных суждений (см. Блок-схему на рисунке 6.2). Один из компонентов управляется сенсорными процессами и представляет собой путь, по которому сенсорные качества, такие как цвет, размер, глубина и движение, влияют на суждения. Другой компонент включает когнитивные процессы, посредством которых знания, память, контекст и ожидания влияют на восприятие. Эти факторы принятия решения были упомянуты в главе 1 (вспомните эффект Хоторна и художественные очки Грейсона Перри). На блок-схеме показан простой пример взаимодействия сенсорной и когнитивной обработки.В отсутствие какой-либо другой информации изображение может выглядеть как большое неправильное черное пятно на белом фоне. Как только вы узнаете, что изображение представляет собой вид спереди лица женщины, освещенной с правой стороны, это контекстное знание может помочь появиться новой интерпретации сенсорных данных (пятна). Дополнительная информация может вызвать другую интерпретацию: пятно также выглядит как профиль человека, играющего на саксофоне, справа.

Рисунок 6.2 Вверху: сенсорные компоненты и компоненты принятия решений в перцептивных суждениях. Внизу: даже изображения простых форм неоднозначны.

Взаимодействие между сенсорными факторами и факторами принятия решений не ограничивается определенным классом неоднозначных или нечетких образов, но является универсальной особенностью восприятия. Несмотря на огромное количество визуальной информации, которая постоянно попадает в глаз, изображения по своей сути содержат много двусмысленностей. В нижней части рисунка 6.2 показан очень простой пример проблемы. Какая реальная форма создала силуэтное изображение слева? Очень много разных плоских форм (показано лишь несколько примеров) создают одинаковый проецируемый силуэт на глазах.Человеческий мозг автоматически разрешает подобную неоднозначность сенсорных данных, используя опыт, знания и ожидания. В частном случае силуэта на рис. 6.2 мы применяем предположение, основанное на нашем опыте работы с искусственной средой, что симметричные прямоугольные формы гораздо более распространены, чем асимметричные, и бессознательно отвергаем все интерпретации, кроме одной.

Таким образом, видение всегда предполагает гибкое, чрезвычайно сложное, но сознательно непознаваемое взаимодействие между поступающей визуальной информацией, нашим опытом и ожиданиями, установленными контекстом.Традиционные критерии хорошего искусства в значительной степени полагаются как на сенсорные данные из нейронных подсистем, которые эволюционировали для автоматической обработки изображений природных сцен, так и на когнитивные данные, основанные на распознавании реальных форм и их контекста. Современные критерии хорошего искусства в большей степени зависят от факторов принятия решений, которые влияют на суждения посредством концептуального содержания искусства, основанного на знаниях. IAE можно рассматривать как один из способов предоставления этого контента.

Подлинное искусство против поддельного

Подделка — серьезная проблема в искусстве.Многие произведения искусства убедительно выдавались за работы великих художников, несмотря на то, что они были созданы искусными подделками, копировавшими стиль художника. На выставке и в обращении может быть гораздо больше подделок, чем мир искусства готов признать. Например, эксперт по творчеству художника XVII века Франса Хальса подсчитал, что только около 70% приписываемых ему картин были подлинными (см. Bellingham, 2012). Самый печально известный фальсификатор ХХ века Хан ван Меегерен создал фальшивую картину Хальса, которая была подтверждена и куплена знатоком Хальса как подлинная вещь.Ван Меегерен также создал ряд фальшивых картин Иоганнеса Вермеера. Ведущие мировые эксперты по Вермееру объявили его подделки подлинными и отвергли утверждения ван Меегерена о том, что он их нарисовал, пока не были предоставлены неопровержимые доказательства (ван Меегерен признался только потому, что его обвинили в предательском преступлении по продаже работ Вермеера нацистам во время мировой войны. II; продажа подделки — совсем другое дело). Фальсификатор Джон Мятт выпустил на арт-рынок более 200 подделок, прежде чем его поймали.Только 80% его подделок было восстановлено, поэтому около 40 его картин все еще маскируются под настоящие в галереях по всему миру (он не раскрывает, где они). Отбыв четыре месяца из 12-месячного тюремного заключения, Мятт занялся бизнесом, законно создавая то, что он называет «подлинными подделками», подписанными своим собственным именем (со скрытым компьютерным чипом, чтобы никто не выдал работу за произведение другого художника). .

Фальшивомонетчики, такие как Джон Мятт, Хан ван Меегерен, Кен Переньи и Вольфганг Бельтракки, несомненно, обладают необычайной способностью рисовать в стиле многих величайших художников мира, что делает задачу обнаружения подделки невероятно сложной.Может быть трудно установить учетные данные даже оригинальных произведений искусства. Исторически сложилось так, что художники часто пренебрегали подписью своих работ или ведением записей о том, что они рисовали и кому они дарили или продавали свои работы. Более того, со времен Возрождения работа успешных художников включала значительный вклад помощников и учеников в их мастерских. Таким образом, происхождение недавно обнаруженной картины может быть неясным, и тогда полагаются на современных экспертов или знатоков, которым мир искусства наделил полномочиями выносить суждение о том, следует ли признать данную работу подлинной.Искусствоведы и критики давно утверждают, что знаток — самый безопасный способ установить подлинность произведения искусства. Знаток может быть определен как:

Принятая традиция, согласно которой опытный эксперт-наблюдатель может отличить оригинал от подделки или подделки, используя комбинацию визуальной памяти и оптической проницательности, чтобы идентифицировать уникальную «руку» художника (Bellingham, 2012).

Практика знатока утвердилась в 19 веке. В 1880 году итальянский искусствовед Джованни Морелли утверждал, что художественная атрибуция должна: «быть не только эстетической и субъективной, зависящей от индивидуального вкуса и юмора; они должны быть основаны на реальных фактах, доступных каждому наблюдателю ».

Современная судебно-медицинская экспертиза сейчас используется для проверки физических характеристик картины (химические свойства краски, рентгеновские лучи, инфракрасное изображение и т. Д.), Но эти доказательства не всегда убедительны. Создавая фальшивые картины Йоханнеса Вермеера, художник Хан ван Меегерен очень старался повторно использовать холсты, относящиеся к тому времени, когда Вермейер был на работе, нарисованные точно такими же пигментными смесями, что и Вермеер, и даже построил специальную печь, чтобы: приготовить убедительное впечатление от тонкой сети поверхностных трещин (кракелюр), которые появляются на картинах 300-летней давности.

В конечном счете, решение о том, принимать ли произведение, может быть вынуждено полагаться на суждение знатока: похоже ли произведение на картину рассматриваемого художника? Последнее предложение приведенного выше аргумента Джованни Морелли особенно проблематично с психологической точки зрения, потому что восприятие никогда не может рассматриваться как «факты». Как обсуждалось в предыдущем разделе, перцептивные суждения всегда включают комбинацию сенсорных данных и когнитивных факторов или факторов принятия решения.На суждение знатока может бессознательно повлиять его желание быть человеком, открывшим редкий, недавно обнаруженный шедевр Франса Хальса, Иоганна Вермеера или Леонардо да Винчи. Действительно, когнитивные процессы особенно активны во время суждения об аутентичности. Недавнее исследование нейровизуализации (Huang et al., 2011) показывает, что суждения о подлинности активируют области мозга, которые, как известно, участвуют в других задачах, требующих оценки нескольких целей и гипотез.Масштаб проблемы подделки в искусстве демонстрирует силу когнитивных предубеждений в суждениях о подлинности.

Вопросы о подлинности произведений искусства не ограничиваются подделкой. Знаток также учитывается при принятии решения о правильной атрибуции произведений искусства, не предназначенных для обмана зрителей. Например, в Apsley House, Великобритания, есть картина под названием «Даная, соблазненная Юпитером». Картина была приписана венецианскому мастеру Тициану. Но в 2019 году эксперт по Тициану, профессор Чарльз Хоуп, оспорил эту атрибуцию, утверждая, что картина является копией «второстепенной руки».Он утверждал, что окраска «хуже» и что «гораздо более красивая» версия в Прадо в Мадриде — это оригинал, написанный Тицианом. Другой эксперт, профессор Пол Джоаннидес, не согласился с Хоуп и утверждал, что Прадо Даная — это не работа Тициана, а Даная Дома Апсли подлинна. В таких случаях невозможно сделать выбор между в конечном итоге субъективными мнениями знатоков, придавая различный вес различным когнитивным факторам, участвующим в принятии решения.

Как только произведение искусства идентифицируется как не подлинное, подделка или копия оригинала, его культурная и денежная ценность резко падает.Неужели фальшивые произведения искусства бесполезны? В денежном выражении ответ, вероятно, утвердительный, по причинам, указанным ранее в отношении искусства как класса активов. Однако, по словам Клайва Белла (сторонника «значимой формы»), написанного в 1914 году, подделка не должна иметь значения:

Если формы произведения значительны, его происхождение не имеет значения.

Белл утверждал, что произведение искусства должно сохранять аутентичную эстетическую целостность независимо от его происхождения. С другой стороны, как мы видели в первой главе, мощной психологической характеристикой искусства является его способность выражать эмоции.Как только произведение искусства идентифицируется как подделка, любая эмоция, выраженная в нем, скорее всего, будет рассматриваться как ложная, потому что цель подделки — обмануть зрителя, а не достоверно выразить эмоцию.

Оригиналы и репродукции произведений искусства

До развития технологий воспроизведения цвета в 20-м веке это был единственный способ, с помощью которого можно было просматривать произведение искусства, по крайней мере, в визуальной форме, которая приближалась к оригиналу (например, не травленая репродукция ), заключался в просмотре реальной работы в мастерской художника или галерее.Репродукции теперь доступны настолько повсеместно, что можно просмотреть практически любые известные произведения искусства, просто выполнив поиск изображений на предпочитаемом вами цифровом устройстве. Вам просто нужно щелкнуть пальцем, а не идти в галерею и искать произведения искусства на ее стенах. Насколько сильно можно полагаться полностью на просмотр цветных репродукций произведений искусства, а не на оригиналы? В 1936 году философ Вальтер Бенджамин утверждал, что недостающее качество репродукций — это «аура» произведения искусства:

Даже самому совершенному воспроизведению произведения искусства не хватает одного элемента: его присутствия во времени и пространстве, его уникального существования. в том месте, где это случилось.

Аура или «присутствие», описанное таким образом, кажется довольно загадочным. Часть этой тайны может происходить из культурных воспоминаний, вызванных оригинальным произведением искусства; его «призрачное» измерение (затронутое призраками искусства прошлого). Научные исследования пролили свет на некоторые сенсорные характеристики, которые определяют ауру и присутствие оригинального произведения искусства. Исследования показали, что, хотя некоторые простые формальные качества в репродукциях оцениваются так же, как и в оригиналах (например, симметрия и сложность), оценочные суждения о «удивительном», «интересном» и «приятном» в оригинале более положительны. чем в репродукции.Кроме того, произведения искусства нравятся больше и оцениваются как более интересные при просмотре в галерее, а не в лаборатории, независимо от того, являются ли они оригиналами или репродукциями. Комбинированное воздействие как сенсорных факторов, так и контекстуальных факторов на восприятие зрителями произведений искусства в галереях перекликается с предыдущими обсуждениями того, как эти два набора факторов влияют на все восприятие, а не только на восприятие искусства. Какие психологические факторы могут способствовать улучшению впечатлений, связанных с просмотром оригинальных произведений искусства, в отличие от репродукций?

Во-первых, это вопрос фактического или абсолютного размера произведения искусства.

Рисунок 6.3 Абсолютный размер художественного произведения влияет на визуальное воздействие, которое оно оказывает на зрителя.

Изобразительное искусство может сильно различаться по размеру: от миниатюрного портрета высотой всего три сантиметра до многих метров для очень большой картины или иммерсивной инсталляции (см. Рис. 6.3). «Герника» Пикассо, например, имеет размеры 3,5 х 7,8 метра; «Фреска» Джексона Поллока — 2,4 х 6 метров; и «Ночной дозор» Рембрандта — 2,3 х 4,4 метра. Размер имеет значение для впечатления от просмотра: произведение искусства скромного размера, такое как голландский интерьер 17-го века или натюрморт (иногда менее 50 см в высоту), привлекает зрителя, приглашая его принять участие в интимном переживании на близком расстоянии. .С другой стороны, монументально большие произведения искусства, такие как картины американских абстрактных экспрессионистов размером с фреску, обладают величием, которое может ошеломить и окружить зрителя.

Предполагается, что цель художника в создании большого произведения искусства — вызвать чувство благоговения; Масштаб произведения отражает стремление художника к работе и подсознательно влияет на реакцию зрителя на нее. Эти эффекты размера, очевидно, полностью теряются при просмотре репродукций в уменьшенном масштабе в книге или на экране небольшого цифрового устройства.Искусствовед Роберт Хьюз сравнил влияние двух картин Пикассо: «Три женщины» 1908 года размером 200 x 178 см и «Натюрморт с плетением стула» 1912 года размером 29 x 37 см, что составляет одну пятую размера. следующим образом:

Первый предназначен для того, чтобы стоять на глазах структурно, как Рабы Микеланджело. . . ; последний принимает взгляд более интимно, как вид через маленькое окошко. Но когда оба они имеют одинаковый видимый размер на тарелке или слайде, смысловая полутень, присущая их действительному размеру, как картины, не может выжить (Hughes, 1990).

Реальный размер также был критически важен для скульптора Генри Мура, написавшего в 1937 году:

Тем не менее, реальный физический размер имеет эмоциональное значение. Мы все соотносим со своим размером, и наша эмоциональная реакция на размер контролируется тем фактом, что средний рост мужчин составляет от пяти до шести футов. Точная модель Стоунхенджа в масштабе одной десятой, где камней было бы меньше нас, потеряла бы всю свою внушительность.

Начиная с трактата Эдмунда Берка 18-го века о возвышенном, воспринимаемая необъятность объекта или сцены была связана с их способностью вызывать у зрителей чувство благоговения или возвышенности.Абсолютный размер объекта можно оценить по поступающим сенсорным данным (величина угла и предполагаемое расстояние, как обсуждалось ранее в книге). Размер явно важен в эволюционном контексте, так как он передает потенциал объекта или нет, чтобы ошеломить зрителя, независимо от того, смотрит ли он на природное явление, такое как текущая вода и падающие камни, или на биологическую форму, такую ​​как медведь. Художники могут сознательно или бессознательно пытаться использовать грубую сенсорную силу абсолютного размера, когда они принимают решение о размерах своих произведений искусства.Действительно, иммерсивные произведения искусства имеют успех только в том случае, если они физически подавляют зрителя. Однако систематических психологических исследований влияния размера на восприятие зрителями произведений искусства проводилось относительно мало. Есть некоторые свидетельства того, что более крупные работы оцениваются более положительно, и, наоборот, произведения, получившие более высокую оценку, воспринимаются как более крупные.

Репродукции произведений искусства могут отличаться от оригиналов не только по размеру, но и по многим другим причинам. Все репродукции создаются в два этапа.Сначала оригинал фотографируется или сканируется записывающим устройством. Во-вторых, записанное изображение выводится на печать или на экран. И процессы записи, и рендеринга вносят изменения. Мелкие текстурные детали и острые края могут быть притуплены на визуализированном изображении из-за неизбежных ограничений способности записывающего или визуализирующего устройства передавать такие детали (например, оптическое размытие в записывающей линзе). В процессе воспроизведения могут даже возникать пространственные артефакты в виде видимых полос или муаровых полос, вызванные тонкой текстурой оригинала, взаимодействующей с ограниченным разрешением воспроизводящего оборудования.Что касается тональной передачи, технологии воспроизведения улучшают средние тона за счет самых высоких и самых низких значений тона, поэтому тонкие вариации в светлых и темных участках картины неизбежно теряются при воспроизведении.

Цветопередача особенно подвержена потерям и искажениям. В 1931 году Международная комиссия по освещению (CIE) разработала стандартное графическое представление оттенков, видимых человеческим наблюдателям, известное как диаграмма цветности CIE (см.рисунок 6.4).

Рисунок 6.4 Диаграмма цветности CIE, показывающая гамму видимых цветов, доступных художникам, и гаммы, доступные в трех системах воспроизведения.

Чистые спектральные цвета распределены по изогнутой линии периметра, граничащей с цветовым пространством диаграммы. Нейтральный серый цвет лежит в центре пространства. Полный спектр (гамма) цветов, которые мы можем видеть и которые доступны художникам, использующим соответствующие смеси пигментов, находится внутри периметра.Три меньшие области в цветовом пространстве CIE на рисунке 6.4 представляют цветовую гамму, доступную с использованием трех различных технологий воспроизведения из-за ограничений технологии; цветная пленка, печатные краски и графические дисплеи. Палитра цветов, доступных в репродукциях, явно значительно меньше, чем в оригинальных произведениях искусства, особенно в печатной форме (пунктирная линия). Как правило, оригиналы содержат цвета, выходящие за пределы цветовой гаммы, доступной для системы воспроизведения.Одно исследование картин в Национальной галерее Лондона показало, что до 68% пикселей в фото-репродукциях представляют цвета оригинала, выходящие за пределы охвата системы воспроизведения:

Даже семицветный процесс [печати] с шесть основных чернил плюс черный не могут воспроизвести некоторые экстремальные цвета пигментов, такие как желтый кадмий или ультрамарин, если только специальные чернила не сделаны из реальных пигментов, о которых идет речь (MacDonald & Moroviç, 1995).

Цвета вне гаммы должны быть изменены или сопоставлены при воспроизведении с цветом, который находится в пределах гаммы устройства, но как можно ближе к исходному цвету.Точные отображаемые цвета и метод отображения зависят от различных технологий записи и рендеринга. Таким образом, цвета, присутствующие в репродукциях произведений искусства, только приближаются к реальным цветам, используемым в оригинальных произведениях искусства.

По всем этим и другим причинам репродукция произведения искусства может быть бледной и скудной имитацией оригинала. Суждения о величии или отсутствии произведения искусства следует рассматривать в лучшем случае временно, пока у вас не будет возможности просмотреть оригинальную версию, а не репродукцию.Помимо эффекта абсолютного размера, цвет, тональный диапазон и детализация, которые можно увидеть в оригинале по сравнению с репродукцией, часто захватывают дух. Очень внимательный осмотр оригинала (в пределах физических границ, установленных галереей) также может выявить интимные подробности физических маркировок художника и обращения с краской, которые полностью невидимы при воспроизведении.

Искусство и сексизм

Опросы показывают, что около двух третей посетителей художественных галерей — женщины, и примерно такая же доля учится на высших учебных заведениях в области искусства и дизайна, поэтому очень многие женщины, очевидно, глубоко интересуются этим. Изобразительное искусство.Тем не менее, крошечный процент произведений искусства, выставленных в большинстве галерей, создан женщинами-художниками. Постоянная коллекция Национальной галереи Лондона, состоящая из 2300 работ, содержит всего около 10 картин, написанных художницами. Согласно исследованию Artnet News, всего 11% из 260 000 приобретений и 14% выставок в 26 известных американских музеях за последнее десятилетие были произведены женщинами-художниками. Более того, в Великобритании в 2018 году 88% аукционных продаж приходилось на произведения искусства художников-мужчин, при этом на художницы-женщины приходилось только 3% от самых кассовых продаж.

Недопредставленность женщин-художников — давняя проблема. В 80-е было так плохо, что группа артисток из Нью-Йорка сформировала Guerrilla Girls, чтобы привлечь внимание к проблеме. Они носили маски горилл и распространяли плакаты с такими сообщениями, как:

Обязательно ли женщинам быть обнаженными, чтобы попасть в Метрополитен. Музей? Менее 5% художников в секциях современного искусства — женщины, но 85% обнаженных женщин.

Проблема не может быть связана с отсутствием большого искусства, созданного женщинами.Мир современного искусства теперь, по крайней мере, признает многих женщин-художников на протяжении всей истории искусства, чьи работы, по крайней мере, не уступают многим великим художникам-мужчинам. В список входят (среди очень многих других):

Софонисба Ангиссола (1532–1625)

Артемизия Джентилески (1593–1656)

Джудит Лейстер (1609–1660)

Элизабет Вижи Ле Брун (1755–1842) Джорджия О ‘Киф (1887–1986)

Луиза Буржуа (1911–2010)

Ли Краснер (1908–1984)

Роза Бонер (1822–1899)

Берта Моризо (1841–1895)

Мэри Кассат (1844–1844) 1926)

Тамара де Лемпицка (1898–1980) Барбара Хепворт (1903–1975)

Фрида Кало (1907–1954)

Агнес Мартин (1912–2004)

Хелен Франкенталер (1928–2011) Яёи Кусама (b .1929)

Бриджит Райли (р. 1931) Мэгги Хэмблинг (р. 1945)

Традиционные трактовки истории искусства исключают любое упоминание этих женщин-художников. Например, во влиятельной «Истории искусства» Эрнста Гомбриха, вышедшей в 16-м издании, художницы-женщины вообще не упоминаются. Артемизия Джентилески в настоящее время считается одним из самых выдающихся художников в истории европейского искусства (см. Рис. 6.5), однако Национальная галерея в Лондоне только недавно сделала свое первое приобретение примерно из 60 работ Джентилески (для относительно скромных размеров). цена 3 фунта стерлингов.6 миллионов). Только три другие работы Джентилески находятся в коллекциях Великобритании. Попечительский совет Национальной галереи назначил свою первую женщину-председателем в 2015 году. Королевская академия художеств в Лондоне избрала своего первого президента-женщину только в 2019 году. Двое из ее членов-основателей в 1768 году были женщинами, но только в середине 20 века. что Королевская академия больше не избрала.

Рис. 6.5 Артемезия Джентилески, «Есфирь перед Артаксерксом», ок. 1630.

Кредитная линия: Музей Метрополитен, общественное достояние.

Почему художницы исключены из мира искусства? Проблема отчасти общественная и историко-художественная. Успешная карьера художника обычно требует и обучения, и покровительства, ни то, ни другое не было доступно женщинам в западном обществе на протяжении веков из-за традиционного разделения на мужские и женские роли. Женщинам не разрешалось поступать в академические художественные школы до конца 19 века, им не разрешалось рисовать обнаженные мужские тела, поэтому им приходилось рисовать такие предметы, как цветы (теперь традиционный «женский» предмет).Исторически сложилось так, что несколько порочных кругов объединились, чтобы подавить вклад женщин-художников в историю искусства. Работы женщин-художников не собирались отдельными лицами или учреждениями, не исследовались историками и не сохранялись торговцами предметами искусства (все из которых были преимущественно мужчинами). В свою очередь комитеты по приобретению галерей неохотно платили высокие цены за художников-женщин, у которых нет аукционной истории, которая могла бы подтвердить цены. Итак, постоянные коллекции национальных галерей, которые составляют признанный канон величайшего искусства в истории, имеют укоренившееся предубеждение против женского искусства.

Помимо социальных и исторических предубеждений, некоторые укоренившиеся психологические предубеждения могут также действовать, чтобы недооценивать вклад женщин-художников. На сегодняшний день нет научных доказательств того, что искусство, созданное художниками-женщинами, уступает искусству, создаваемому художниками-мужчинами. Похоже, что пол художника невозможно определить, просто взглянув на искусство. В недавнем онлайн-эксперименте (Adams et al., 2017) участников-неспециалистов попросили угадать пол художника, создавшего каждую из 10 картин (пять были сделаны художниками-мужчинами, а пять — художницами-женщинами).Они показали себя не лучше, чем если бы подбросили монету. С другой стороны, секс, передаваемый через имя, сам по себе также может влиять на суждения о музыке, обучении и так далее. Такие предубеждения по признаку пола можно добавить к другим предубеждениям при принятии решений, описанным ранее, которые способствуют формированию художественных суждений.

Личность и искусство | Психолог

Художественная личность

Искусство — это часть повседневной жизни, но его важность сильно различается от человека к человеку: некоторые не могут насытиться галереями, смотреть художественные программы по телевизору и пожирать биографии художников, тогда как других просто не волнуют.Однако психологи редко изучали эти индивидуальные различия. Здесь мы оцениваем роль установленных факторов личности и интеллекта как детерминант художественных предпочтений, интересов, знаний и суждений. Создайте образ человека в художественном музее или получайте ученую степень в области искусства. Вся ли картина, которую вы рисуете, связана с возрастом, полом и социально-экономическим статусом? Или быть «артистической личностью» значит быть открытыми для новых впечатлений, какой бы жизненной позицией вы ни ступали? Хотя искусство всегда играло фундаментальную роль в человеческом обществе, психологи в значительной степени игнорировали вопрос о том, почему одни люди больше интересуются искусством, чем другие, — факт, который проявляется с самого раннего возраста.Таким образом, мы решили изучить возможные индивидуальные факторы различия, которые могут лучше всего описать — и в определенной степени объяснить — артистическую личность.

Художественные предпочтения
Исследования художественных предпочтений — степени, в которой люди любят или не любят разные стили живописи — представляют собой доминирующий подход в области личности и искусства, несомненно, из-за относительной простоты классификации художественных произведений в соответствии с устоявшимися школами.Еще до того, как были «изобретены» черты личности (то есть до разработки таксономии черт), такие выдающиеся психологические деятели, как Берт (1933) и Айзенк (1940), исследовали личностные различия в оценках разных картин.
Хотя литература носит разрозненный характер, было исследовано множество факторов личности, включая консерватизм, открытость, шизотипию, терпимость к двусмысленности и, в частности, стремление к сенсациям (Furnham & Avison, 1997). Эти исследования показали, что существуют предсказуемые связи между личностью и конкретными предпочтениями в искусстве, особенно корреляция между консерватизмом или сознательностью и предпочтениями к традиционному / репрезентативному, а не абстрактному или кубистическому искусству.И наоборот, открытость опыту связана с предпочтениями нетрадиционных стилей.
Несмотря на то, что личностные черты редко объясняли более 10 процентов различий в художественных предпочтениях, методологические и психометрические ограничения могли недооценивать истинное значение личностных качеств как детерминант художественных предпочтений (см. Вставку справа).
Пытаясь прояснить прошлые несоответствия и преодолеть методологические недостатки, мы провели, возможно, самое крупномасштабное исследование личности и предпочтений в искусстве, которое когда-либо проводилось.В исследовании приняли участие 91 162 человека, который был разработан для связи с сериалом «Как искусство создало мир» и размещен на веб-сайте BBC (см. Веб-ссылки). Хотя анализ все еще предварительный, одним явным следствием является разница между изобразительным искусством, типичным для импрессионизма, и менее изобразительным искусством, таким как абстрактный экспрессионизм и кубизм. Люди, предпочитающие изобразительное искусство, были значительно более приветливы и сознательны и менее открыты для нового опыта, чем те, кто оценивал более абстрактные работы.
Демографические переменные тоже повлияли на предпочтения. Мужчины, как правило, предпочитали искусство кубизма и ренессанса, тогда как женщины предпочитали традиционную японскую живопись и импрессионизм. Молодые люди предпочитали более современные формы абстрактного и кубистического искусства, тогда как пожилые люди предпочитали импрессионизм и японское искусство. Но в целом предпочтения в искусстве казались больше зависимыми от личностных качеств, чем от демографических факторов.
Факторный анализ может помочь нам понять, как люди оценивают картины. Хотя разные черты личности связаны с разными стилями живописи, существует также общая тенденция людей любить или не любить все виды картин.Например, вы можете предпочесть кубизм импрессионизму, но в то же время ваша средняя оценка будет выше или ниже, чем у других. Черта личности, которая кажется наиболее важной, когда дело доходит до прогнозирования более высоких уровней общих художественных предпочтений, — это открытость опыту, черта, которая относится к индивидуальным различиям в эстетической чувствительности, интеллектуальном любопытстве, воображении и стремлении к инновациям. Таким образом, «поскольку невротики могут использоваться в качестве примеров высоких результатов по параметру невротизма, [так] художники могут считаться яркими примерами людей, обладающих высокой открытостью к опыту» (McCrae & Costa, 1997; стр.825).

Художественные интересы
Второй подход к изучению личности и искусства сосредоточен на художественных интересах или степени, в которой люди участвуют в художественной деятельности, такой как посещение музеев, просмотр художественных программ, покупка и чтение книг по искусству и т. Д. Исследования давно показали, что люди, которые вкладывают средства в одну область искусства (например, изобразительное или изобразительное искусство), также с большей вероятностью вкладывают время и деньги в другие области (например, музыку, исполнительское искусство, театр и т. д.) (McManus & Furnham, в печати).Но какие черты личности могут объяснить эти отношения?
Как и в случае с художественными предпочтениями, личностные различия, лежащие в основе художественных интересов людей, по-видимому, в основном отражаются в измерении открытости опыту. Таким образом, открытые люди с большей вероятностью будут наслаждаться произведениями искусства и участвовать в поведении, связанном с искусством. Однако исследованиям еще предстоит изучить, какие конкретные аспекты открытости имеют отношение к эстетическим интересам. Концептуально можно ожидать, что фантазии (мечтательные, образные и т. Д.), Эстетические (оригинальные, разносторонние и т. Д.) И чувства (спонтанные, нежные и т. Д.) Будут иметь большее влияние на определение художественных интересов, чем аспекты действий, идей и т. значения будут.
Макманус и Фернхэм (в печати) недавно исследовали основные (прямые) и интерактивные (косвенные) эффекты демографических переменных (например, пола, возраста и социально-экономического статуса), предыдущего образования и личностных черт в отношении общей эстетики. виды деятельности. В целом, результаты показали, что предыдущее образование — обучение искусству, а не наукам — является важным предиктором эстетической деятельности, и что очень открытые люди, например, с низкими показателями доброжелательности или добросовестности, как правило, больше занимались эстетической деятельностью.В то время как социальный класс имел предсказуемое влияние, не было никаких значимых гендерных (мужественность-женственность) или пол (мужчина-женщина) коррелятов эстетической деятельности. Более того, эстетические интересы оказались сильнее связаны с личностными качествами (особенно с открытостью), чем с социальным классом, возрастом и полом.

Художественное постановление
Художественная оценка по сути считается мерой способностей, а не вкуса, и включает оценку лучшего из двух или более продуктов. Большинство этих исследований основывались на старых методах измерения, таких как тест Мейера на художественное суждение (Meier, 1940) и тест на суждение о дизайне Мейтленда Грейвса (Graves, 1948), которые требовали от участников различать гениальное произведение искусства и подделку или экспериментально модифицированную реплика.Например, участникам может быть представлена ​​настоящая картина сюрреалиста Жоана Миро рядом с модифицированной версией этой картины (в которой один из абстрактных объектов отображается в другом цвете или в другом месте) и их просят идентифицировать гениальную картину. Затем можно измерить их точность и время реакции.
Хотя остаются сомнения в обоснованности таких мер (то есть, что на самом деле означает иметь более высокий балл художественного суждения), исследования показали, что показатели когнитивных способностей в значительной степени связаны с художественным суждением (см. Chamorro-Premuzic & Furnham, 2004, 2005 ).Корреляция в диапазоне r = 0,30 между оценкой искусства и традиционными показателями интеллекта предполагает, что интеллект может быть необходим, но недостаточен для объяснения индивидуальных различий в оценке искусства.
На самом деле, сочетание личности и интеллекта кажется более эффективным для предсказания таких различий, что объясняет почти 30% расхождений в суждениях об искусстве. Черта личности, которая, как было установлено, наиболее тесно связана со способностью к художественному суждению, — это сознательность — более низкая сознательность связана с более высокими оценками художественного суждения.Это открытие интересно тем, что в течение длительного времени сознательность (или эквивалентная черта) рассматривалась как отрицательный коррелят творчества и предсказатель более традиционных художественных предпочтений. Таким образом, сознательные люди будут менее заинтересованы и компетентны в художественной оценке.

Открытость опыту и творческая личность
Очевидно, что исследование, которое мы рассмотрели до сих пор, подразумевает очень специфические индивидуальные различия в людях, чувствительных к искусству.Хотя предыдущее образование, возраст и пол показывают предсказуемые связи с поведением, связанным с искусством, личность (в частности, открытость опыту), по-видимому, играет более важную роль в определении этих результатов.
Таким образом, можно предположить, что любопытство и умение решать проблемы открытых людей заставляют их интересоваться и желать исследовать самые разные формы искусства. С другой стороны, есть набор черт, связанных с консерватизмом и сознательностью, которые, кажется, определяют более низкий интерес к искусству, а также предпочтение традиционных репрезентативных стилей.
Хотя исследования показали, что художественные предпочтения, интересы и суждения сильно взаимосвязаны, важно интерпретировать эти результаты в целостную модель. Предпочтения могут рассматриваться как важный фактор, определяющий интересы (например, если вам нравится X-исполнитель, вы потратите время и ресурсы на изучение X-художников), которые, в свою очередь, определяют знания (если вы инвестируете время и ресурсы в X-исполнителя, вы будете много знать. о X), что, в свою очередь, определяет суждение (если вы много знаете о X, вы сможете различать настоящие и фальшивые работы X).Установленные черты личности (например, высокая открытость, низкая сознательность и т. Д.) Могут влиять как на предпочтения, так и на интересы; Факторы когнитивных способностей будут коррелировать как со знаниями, так и с суждениями, поскольку индивидуальные различия в способности учить и запоминать факты будут влиять на эти результаты.
Естественно, у рассмотренных нами результатов есть несколько ограничений, и следует подчеркнуть, что на данном этапе наши результаты являются предварительными и исследовательскими. Во-первых, это вопрос о том, какие конкретные процессы могут объяснить корреляцию между установленными индивидуальными факторами различия и поведением, связанным с искусством.В то время как анализ на субфасетном уровне (например, рассмотрение конкретных аспектов открытости) может улучшить наше понимание таких процессов, данные все равно будут корреляционными. Таким образом, нельзя исключать возможность того, что более высокий уровень художественных интересов побуждает людей развивать все более открытую личность, а не наоборот. С другой стороны, эту корреляцию можно объяснить переменными третьего порядка.
Во-вторых, существует проблема обоснованности, а именно: действительно ли показатели интересов в искусстве, суждения об искусстве и предпочтения в искусстве предсказывают последующее поведение, связанное с искусством, такое как получение формальной степени в области искусства или создание художественных произведений.Фактически, нет никаких доказательств того, что артистическая личность, как она концептуализирована в данной статье, имеет какое-либо отношение к активному творческому поведению; скорее, это, кажется, относится к индивидуальным различиям в оценке искусства и «потреблении». Таким образом, лонгитюдные исследования необходимы для выявления следствий, а не коррелятов творческой личности.
И последнее, но не менее важное: существует проблема детерминизма: если факторы индивидуальных различий определяют значительную разницу в поведении, связанном с искусством, и такие факторы в значительной степени наследуются и остаются практически неизменными на протяжении всей жизни, как мы можем мотивировать людей? с «неправильной» личностью, чтобы интересоваться искусством? Такие вопросы необоснованны: факторы индивидуальных различий оставляют большую необъяснимую разницу в поведении, связанном с искусством, и, в любом случае, артистическая личность (как и любая другая черта) просто предрасполагает людей к поведению, связанному с искусством.

Томас Чаморро-Премузич работает на факультете психологии ювелиров Лондонского университета. Электронная почта: [электронная почта защищена].
Адриан Фернхэм работает на факультете психологии Университетского колледжа Лондона. Электронная почта: [электронная почта защищена].
Стиан Реймерс работает на факультете психологии Университетского колледжа Лондона.
Электронная почта: [электронная почта защищена].

Ограничения предыдущих исследований

Выбор стимулов: а) Разные рисунки: В разных исследованиях использовались разные рисунки и стили.Некоторые сравнивали простое и сложное и репрезентативное с абстрактным, другие сравнивали репрезентативное и сюрреалистическое, в то время как более полные исследования включали абстрактное, японское и поп-арт (Furnham & Walker, 2001).
б) Знакомая картина: предпочтения к знакомым картинам можно спутать с образовательными факторами. Например, люди, которые воспринимают или идентифицируют картину как знаменитую, могут чувствовать себя почти обязанными любить ее из-за ее культурной ценности. Знакомые стимулы также менее интересны и возбуждают, чем незнакомые.
c) Прототипы картин: некоторые картины не могут быть отнесены исключительно к одной школе, но представляют собой сразу несколько художественных течений и могут быть более или менее подвержены влиянию других.

Личностные показатели: Личность не всегда оценивалась с помощью одних и тех же инструментов или в рамках одной и той же системы, не в последнюю очередь из-за давних дебатов об определении лучшей таксономии личности для классификации индивидуальных различий. Черты «большой пятерки» были введены только в начале 1990-х годов.

Выборка возможностей: в большинстве, если не во всех исследованиях, изучались небольшие и нерепрезентативные выборки, такие как студенты-психологи из престижных университетов. Известно, что такие образцы более «интеллектуально вовлечены», чем население в целом.

Обсуждение и обсуждение
Можно ли научить людей интересоваться искусством? Если да, то до какого возраста? Неужели когда-нибудь поздно открывать для себя искусство?
Следует ли адаптировать образовательные программы в школах к индивидуальным интересам к искусству с раннего возраста?
Почему нельзя «заставить» детей интересоваться искусством?
Следует ли средствам массовой информации уделять больше времени продвижению художественных интересов?
Чем объясняется связь между художественными и политическими предпочтениями?
Есть ли связь между безумием и гениальностью?
Выскажите свое мнение по тем или иным вопросам, поднятым в этой статье.

Отправляйте «Письма» на [адрес электронной почты] или делитесь на нашем форуме через www.thepsychologist.org.uk.

Ссылки
Эксперимент арт-проекта BBC: tinyurl.com/q2tp7
Проверьте свою личность:
http://similarminds.com/big5.html
Большая пятерка:
www.personalityresearch.org/bigfive.html

Список литературы
Берт, К. (1933). Психология искусства. В Как работает разум, гл. 15. Лондон: Аллен и Анвин.
Чаморро-Премузич, Т.И Фернхэм, А. (2004). Художественное суждение: мера, связанная как с личностью, так и с интеллектом. Воображение, познание и личность, 24, 3–24.
Чаморро-Премузич, Т. и Фернхам, А. (2005). Личность и интеллектуальная компетентность. Лоуренс Эрлбаум Ассошиэйтс. Нью-Джерси.
Айзенк, HJ (1940). Общий фактор эстетических суждений. Британский журнал психологии, 31, 94–102.
Фернхэм А. и Ависон М. (1997). Личность и предпочтение сюрреалистических картин. Личность и индивидуальные различия 23, 923–935.
Фернхэм А. и Уокер Дж. (2001). Личность и суждения абстрактных, поп-арта и репрезентативных картин. Европейский журнал личности, 15, 57–72.
Грейвс, М. (1948). Тест на суждение о дизайне. Сан-Антонио: Психологическая корпорация.
McCrae, R.R. & Costa, P.T., Jr. (1997a). Концепции и корреляты открытости опыту. В Справочнике Р. Хогана и Дж. Джонсона (ред.) По психологии личности, 825-847. Талса: США.
McManus, C. & Furnham, A. (в печати). Эстетическая деятельность и эстетические установки.Влияние образования, происхождения и личности на интересы и увлечение искусством. Британский журнал психологии.
Майер, Северная Каролина (1940). Художественные тесты Мейера I. Художественное суждение. Бюро образовательных исследований: Оксфорд.

Десять профессий, к которым вас подготовит бакалавр психологии

Чтобы стать психологом, профессионалы должны иметь как минимум степень магистра психологии. Однако бакалавр психологии также готовит выпускников к другим профессиям за пределами области благодаря предлагаемым курсам развития: например, учителя K-12 также должны проходить аналогичные классы.Другие профессии, требующие прохождения курса психологии, включают менеджеров по персоналу, дипломированных медсестер или менеджеров служб здравоохранения.

Студенты также должны понимать разницу между степенью бакалавра наук (BS) и бакалавром искусств (BA) в области психологии, чтобы определить, что лучше всего соответствует их карьерным целям. Бакалавр психологии специализируется на курсах математики и естествознания. Студентам, которые планируют получить ученую степень со склонностью к обширной исследовательской методологии, следует рассмотреть возможность получения степени бакалавра психологии.

Бакалавр психологии делает упор на гуманитарные курсы. Программы бакалавриата предлагают больше возможностей, которые отражают конкретные карьерные цели студента. Поэтому многие выпускники бакалавриата по психологии могут использовать свою степень для карьеры вне психологии.

Рекламное объявление Psychology.org — это сайт, поддерживаемый рекламой. Рекомендуемые или проверенные партнерские программы и все результаты поиска, поиска или соответствия школ предназначены для школ, которые нам компенсируют.Эта компенсация не влияет на рейтинг наших школ, справочники по ресурсам или другую независимую от редакции информацию, опубликованную на этом сайте.

Избранные онлайн-программы

Выяснение, куда обратиться? Эти лучшие аккредитованные школы предлагают различные онлайн-степени. Рассмотрите одну из этих аккредитованных программ и откройте для себя их ценность сегодня.

Журналист

Журналисты проводят исследования для написания новостных статей для различных СМИ.Исследование включает отслеживание потенциальных клиентов, опросы людей о сложном контенте и вопросы, которые позволяют журналисту собрать соответствующую информацию. Таким образом, получение степени бакалавра психологии может предоставить начинающим журналистам конкурентное преимущество, поскольку в курсовой работе по психологии изучается, как люди ведут себя и думают.

Средняя степень бакалавра психологии включает восприятие и познание, социальную психологию, оценку психологических исследований и перспективы по психологическим вопросам.В то время как должности начального уровня требуют как минимум степени бакалавра, студенты могут захотеть рассмотреть возможность получения ученой степени, чтобы выделиться среди других претендентов.

Криминалист

Криминологи выступают в качестве аналитиков или ученых, которые определяют причины преступного поведения посредством сбора данных и статистического анализа. Криминологи могут опросить офицеров или заключенных уголовников, чтобы составить психологический портрет. Поэтому профессионалы часто работают в правоохранительных или государственных учреждениях.

Получение степени бакалавра психологии может принести пользу будущим криминалистам, позволяя студентам адаптировать степень в соответствии со своими карьерными целями. Кроме того, степень бакалавра психологии включает курсы, которые дают криминалистам знания и навыки, необходимые для успешной работы. Для должностей начального уровня обычно требуется степень бакалавра в аккредитованном университете. Руководящие или управленческие роли могут потребовать ученой степени.

Менеджер по персоналу

Менеджеры по персоналу всегда в курсе всех местных, государственных и федеральных законов, которые влияют на льготы и деятельность организации.Эти менеджеры следят за соблюдением требований, производительностью и эффективностью. Управление человеческими ресурсами также требует от профессионалов определения способов улучшения политики и реализации изменений. Эта роль во многом зависит от эффективного общения.

Получение степени бакалавра гуманитарных наук в области психологии исследует поведение человека или социальную психологию, которая помогает менеджерам отдела кадров в решении задач, требующих взаимодействия с должностными лицами и руководителями. В то время как некоторые организации принимают кандидатов со степенью бакалавра, многие организации предпочитают соискателей с ученой степенью.

Политолог

Политологи проводят исследования по темам, касающимся политической системы как на национальном, так и на международном уровне. Эта роль также требует, чтобы профессионалы собирали и оценивали данные опросов, оценивали политику, оставались в курсе событий и прогнозировали тенденции.

Для роли политолога обычно требуется степень магистра или доктора философии. Например, популярные магистерские программы включают степень магистра государственного управления или общественных дел. Степень бакалавра психологии дает студентам базовые знания и навыки, такие как когнитивные и социальные объяснения человеческого поведения, развития систем убеждений и процесса принятия решений.

Социальный работник

Социальные работники разрабатывают решения для клиентов, которые борются с повседневными проблемами. Обязанности включают выявление нуждающихся людей, создание путей для клиентов, чтобы они могли приспособиться к изменениям в жизни, исследование ресурсов или решений современных дилемм, улучшение качества жизни клиентов, мониторинг прогресса и предложение психотерапевтической помощи.

Получение степени бакалавра психологии затрагивает многие темы, которые необходимы социальным работникам для выполнения своей работы.Хотя должности начального уровня существуют, для руководящих ролей требуется степень магистра или доктора философии. Таким образом, студенты должны планировать продолжение обучения. Кроме того, социальные работники также должны получить государственную лицензию или сертификат на неклиническую работу.

Консультант по злоупотреблению психоактивными веществами, поведенческим расстройствам и психическому здоровью

Злоупотребление психоактивными веществами, поведенческие расстройства и консультанты по психическому здоровью помогают пациентам, борющимся с одним или несколькими расстройствами. В его обязанности входит оценка состояния пациента и его готовности начать лечение, просвещение членов семьи клиента, выявление факторов, препятствующих выздоровлению, разработка планов лечения и сотрудничество с другими членами группы по уходу.

Для должностей начального уровня требуется степень бакалавра в аккредитованном учебном заведении. Однако многие организации также требуют, чтобы соискатели имели степень магистра, поскольку во многих штатах требуется лицензирование и до 4000 клинических часов для выполнения обязанностей высшего уровня. Бакалавр психологии предлагает фундаментальные знания и навыки, которые помогают студентам начать карьеру.

Менеджер по маркетингу

Менеджеры по маркетингу взаимодействуют с персоналом и другими руководителями отделов для определения бюджетов и планов маркетинговой или рекламной кампании.В обязанности входит заключение контрактов, оценка кампании, исследование рынка, определение целевых клиентов, разработка ценовых стратегий и найм персонала. Важные качества включают аналитические, коммуникативные, межличностные навыки и навыки принятия решений.

Работодатели обычно ищут кандидатов со степенью бакалавра в аккредитованном учреждении в соответствующей области. Получив степень бакалавра психологии, студенты узнают о человеческом поведении и социальных аспектах психологии, которые могут повысить их эффективность в повседневных задачах.Тем не менее, студенты могут продолжить свое образование, чтобы получить конкурентное преимущество.

Психолог

Психологи работают с целевыми группами населения в самых разных условиях. Психологи исследуют когнитивные, социальные и эмоциональные процессы на основе опыта клиента. В обязанности входит проведение исследований или исследований человеческого поведения, проведение интервью и опросов, выявление расстройств, изучение закономерностей, разработка тестов, помогающих прогнозировать поведение, обучение пациентов и их семей, а также создание исследовательских работ или статей, на которых могут учиться другие специалисты.

Для клинических, консультационных или исследовательских ролей работодатели ищут кандидатов со степенью доктора философии. или Psy.D. В большинстве штатов практикующие специалисты также должны получать государственную лицензию. Таким образом, получение степени бакалавра психологии — это первый шаг к получению права на эту должность.

Брачно-семейный терапевт

Брачные и семейные терапевты проходят подготовку по вопросам психического здоровья для решения сложных клинических проблем, включая депрессию, тревогу, семейные проблемы и семейные дилеммы. В обязанности входит создание безопасной среды для обсуждения конфиденциальной информации клиентами, составление планов действий по адаптации к изменениям, предоставление рекомендаций по принятию решений, разработка стратегий, позволяющих справиться с трудными обстоятельствами, и ведение файлов клиентов.

Чтобы претендовать на эту роль, кандидаты должны начать с получения степени бакалавра психологии, которая исследует фундаментальную информацию, необходимую для перехода на степень магистра психологии, поскольку эта роль требует государственной лицензии и определенного количества клинических часов.

Школьный советник

Школьные консультанты работают со студентами над устранением академических и социальных пробелов. Ежедневные обязанности включают оценку способностей и интересов учеников, выявление проблем, препятствующих академическому и социальному успеху, создание планов действий по исправлению проблем, сотрудничество с учителями и семьями учеников, ведение записей и сообщение о случаях пренебрежения или жестокого обращения.

Школьные консультанты могут работать в школах K-12 или взрослых в качестве консультантов по вопросам карьеры. Работодатели ищут кандидатов со степенью магистра, поскольку почти во всех штатах требуется лицензия для практики. Однако получение степени бакалавра психологии остается первым шагом на пути к этой карьере. На уровне бакалавра кандидаты могут претендовать на соответствующие должности поддержки.

Готовы сделать следующий шаг?

Выбор лучшей программы бакалавриата по психологии требует особого внимания, поскольку эта область предлагает множество профессиональных возможностей.Будущие студенты должны определить конкретные цели для развития карьеры. Кроме того, стоимость обучения варьируется, и многие университеты предлагают варианты очного, гибридного или онлайн-обучения.

Подробнее о степени бакалавра психологии

Psychology.org создал страницу, на которой опровергается обычно искаженная информация о ценности степени бакалавра психологии. Кандидаты также могут прочитать о требованиях к поступающим, средней стоимости и основных ожиданиях от программы психологии.Эта страница также посвящена основным концепциям, концентрациям, карьере и возможностям получения ученой степени.

Explore Psychology Careers

Psychology.org также предлагает ресурс, описывающий несколько направлений психологической карьеры и потенциальных специализаций. Каждый профиль содержит информацию о целевых группах населения и рабочей среде. Стремящиеся студенты-психологи также узнают о полномочиях, необходимых для получения права на продвинутые должности, тенденциях в области заработной платы и профессиональных организациях, которые предоставляют информацию о текущих усилиях в этой области.

Art BFA: Психология (до-арт-терапия)

Бакалавр изящных искусств: концентрация в психологии (пре-арт-терапия) — это программа, которая готовит студентов к поступлению в аспирантуру по арт-терапии. Программа предлагает широкий выбор художественных студий, где студенты могут развивать навыки и изучать различные техники, необходимые для их будущей карьеры. Курсы психологии, включенные в концентрацию, готовят студентов к выпускным программам арт-терапии.

Почему выбирают искусство: психология (до-арт-терапия)?

Программа BFA: Concentration in Psychology (Pre-Art Therapy) предназначена для студентов, которые заинтересованы в карьере арт-терапевта. Арт-терапевты, используя художественные медиа и творческие процессы, помогают управлять поведением и зависимостями, развивают социальные навыки, уменьшают беспокойство, повышают самооценку и улучшают общее самочувствие.

BFA, профессиональная степень, предлагает тщательное изучение широкого диапазона десяти студийных областей, касающихся различных средств массовой информации, методов и процессов.Выпускники художественных школ добиваются успеха благодаря уникальности своего портфолио, индивидуальному наставничеству профессоров и обширному художественному опыту. Обучение проводят всемирно признанные профессиональные художники и выдающиеся педагоги. Небольшие классы в хорошо оборудованных студиях обеспечивают высокую степень индивидуального внимания и профессионального опыта.

Эта программа сочетается с избранными курсами психологии (Концентрация в психологии), готовящими студентов к программам магистратуры по арт-терапии.Для получения лицензии требуется степень магистра.

Что вы узнаете?

В рамках этой программы учащиеся приобретают обширные знания о различных техниках художественного выражения, а также углубляют свои знания в области истории искусства. Предлагаются занятия по живописи, рисунку, скульптуре, гравюру, фотографии, графическому дизайну, цифровым медиа, обработке металлов, керамике, искусству волокна и истории искусства. От вводного до продвинутого уровня студийных курсов студенты получают знания и навыки, необходимые в их профессиональной сфере.Концентрация по психологии (15 кредитов) предлагает ряд курсов от введения в психологические концепции до тем человеческого развития и разнообразия.

Карьера в арт-терапии

Растущая тенденция поддержки посредством консультирования и других форм терапии открывает новые рынки для профессиональных терапевтов для всех возрастных групп.

Арт-терапевты и консультанты находят работу в частной практике, больницах, психиатрических учреждениях, школах и колледжах, клинических исследовательских центрах, центрах содержания под стражей и реабилитации, а также центрах для престарелых.

Получите степень бакалавра изящных искусств в Slippery Rock!

Программа BFA Art: Psychology Университета Slippery Rock University готовит студентов к успешной карьере в растущей области арт-терапии. Хотите узнать больше? Запросите дополнительную информацию сегодня!

тем ARM / ART — Психология | Колледж искусств и наук

Доказательная терапия

PSYC 387-01 | ИСКУССТВО: Темы перспективных исследований

Джойс Ян

МВт 14:15 — 16:00

Пререквизиты: Студенты должны успешно пройти общую психологию, дизайн психологического исследования, психологическую статистику и аномальную психологию.

Это дискуссионный семинар, на котором будут критически изучены научно обоснованные методы психотерапии депрессии.Читая исследовательские статьи и проводя дискуссии в классе, студенты научатся оценивать планы клинических исследований для тестирования психологических методов лечения, чтобы понять, как эмпирическая поддержка эффективности лечения накапливается в исследованиях психического здоровья. Мы также подробно рассмотрим протоколы терапии, включая когнитивные, поведенческие и когнитивно-поведенческие методы лечения третьей волны (такие как терапия принятия и приверженности, функционально-аналитическая психотерапия и когнитивная терапия, основанная на осознанности).Этот курс направлен на предоставление студентам навыков оценки клинических исследований, а также ознакомления с терапевтическими принципами и навыками профилактики и лечения депрессии.

Творчество и мозг

PSYC 387-02 | ИСКУССТВО: Темы перспективных исследований

Индре Висконтас

TR 4:45 — 18:25

Описание человеческого опыта было миссией художников со времен первых наскальных рисунков. Ученые одинаково заинтересованы в понимании нашего мира и нашего места в нем.С появлением нейробиологии мы начинаем отслеживать не только то, как наш мозг делает нас людьми, но и то, как и почему мы ценим великое искусство. В этом курсе нейробиолог и музыкант профессор Висконтас объединяет свои знания в двух областях, чтобы изучить, как наш мозг способствует творчеству и нервному импульсу, связанному с созданием или потреблением искусства. Учащиеся будут лучше понимать, чем занимаются художники, как развиваются их знания и как искусство усиливает эмоции и сочувствие в мозгу.Есть ли в мозгу центр творчества? Откуда берутся моменты «ага»? Может ли музыка быть лекарством? Приводит ли психическое заболевание к лучшему искусству? Почему кажется, что поэты умирают молодыми? Этот курс также отправит студентов в путешествие в умы великих художников, таких как Винсент Ван Гог, Морис Равель, Сильвия Плат и другие, чьи работы помогают нам лучше понять наш собственный разум.

Социальное влияние

PSYC 388-01 | ARM: передовые методы исследования

Саера Хан

TR 12:45 — 14:30

Пререквизиты: Студенты должны успешно завершить курс «Общая психология», «Психологическая статистика», «Дизайн психологического исследования» и «Социальная психология».

В этом классе передовых методов исследования мы сосредоточимся на содержательной области современной социальной психологии. Ожидается, что студенты будут разбираться в статистике и методах исследования. Цель этого продвинутого курса — дать студентам возможность применить полученные знания на практике. Мы проанализируем исследования, основанные на исследованиях социальной психологии, спроектируем наши собственные исследования, а затем соберем и проанализируем данные этих исследований. Задания этого класса призваны укрепить и закрепить навыки исследования и критического мышления, которые вы развили в своей курсовой работе по психологии.

Когнитивная нейротерапия

PSYC 388-02 | ИСКУССТВО: Темы перспективных исследований

Дэвид Зейглер

TR 8:00 — 9:45

Этот курс критически исследует исследования эффективности различных терапевтических подходов для нескольких психоневрологических, неврологических и нейродегенеративных заболеваний человека, таких как аутизм, СДВГ, болезнь Альцгеймера и посттравматическое стрессовое расстройство, которые возникают в результате дисфункции ключевых систем мозга. Мы также обсудим использование этих вмешательств для улучшения когнитивных функций у здоровых молодых людей.Терапия будет включать фармацевтические препараты, стимуляцию мозга, когнитивные тренировки, изменение образа жизни (например, упражнения и диету) и интегративные практики (например, подходы разум-тело). Студенты узнают о разработке и проведении рандомизированных контролируемых испытаний (РКИ) для оценки эффективности вмешательств и получат возможность провести свой собственный исследовательский проект, проанализировав общедоступные данные одного из нескольких крупномасштабных клинических испытаний когнитивных вмешательств.

Наука морального суждения

PSYC 387-03 | ART: Темы перспективных исследований | 22722

Саера Хан

TR 9:55 — 11:40

Пререквизиты: JR или SR, успешно завершившие общую психологию, дизайн исследований и социальную психологию

В этом классе мы сосредоточимся на содержательной области современной моральной психологии. Цель этого продвинутого курса — дать студентам возможность применить свои знания о человеческом поведении на практике.Мы прочитаем и проанализируем исследования, основанные на исследованиях в области моральной психологии, разработаем собственные исследования и предложим новые способы изучения морального поведения с психологической и философской точек зрения. Задания этого класса призваны укрепить и закрепить навыки исследования и критического мышления, которые вы развили в своей курсовой работе по психологии.

Этот курс в значительной степени ориентирован на групповое обсуждение. Активное и вдумчивое участие — важный фактор в вашей оценке.Ожидается, что вы проведете чтения перед встречей по курсу и ответите на вопросы, заданные вам в классе и в размышлениях. Цели этого курса — познакомить вас с широким спектром чтений, предоставить вам возможности для письменной и устной критики, помочь вам практиковать общение и обсуждение со сверстниками, а также вызвать интерес и волнение по поводу этой новой области исследований.